El Ars Nova en Francia.

En especial cuando se habla del Ars Nova se refiere al arte nuevo, pero ya en términos musicales estamos hablando de la música del siglo XIV. En particular los compositores de ars nova se caracterizaban por tener un espíritu innovador de composición y por tener una ferria ambición a abrir nuevos horizontes y crear una nueva dirección en el arte de la música. Uno de los más importantes compositores de ars nova fue Philippe de Vitry que introdujo innovaciones de sentido rítmico y teórico, además de ser uno de los que consolidó el uso de compases binarios y ternarios.

Como hemos visto la música del siglo XX se movía en grupos ternarios de longas y breves que era una manera de llevar una medida notacional. La breve se convirtió en un valor más largo con el paso del tiempo. La música del siglo XIV se escribió principalmente en breves, semibreves y longas, esas tres eran las unidades del compas musical en las composiciones de ese tiempo. El significado de la palabra breve en la música de los dos o tres últimos siglos, la redonda tiene una equivalencia de semibreve y la breve es ahora una nota tan larga que no se usa nunca. Es importante decir que el sistema de notación establecido por Philippe de Vitry constituyo un nuevo arte de organización rítmica. Uno de los puntos importantes de ésta época es que se tuvo una ruptura total con la música del siglo XIII ya que se consideraba anticuada en cuanto a ritmo, por eso se dice que el principal interés de la música francésa del siglo XIV es la organización rítmica.

La primera e importante colección de música de Phillippe de Vitry se les conoce como el Roman de Fauvel que eran una serie de poemas que hablaban acerca de la corrupción social simbolizada por un asno o un caballo, este tipo de poemas obviamente se hacían como una sátira hacia este tipo de cosas como la corrupción.

Dentro del Roman Fauvel existieron los motetes que fueron un tipo de composición muy importante dentro de conjunto, los textos latinos predominaban en los motetes así como en las canciones monofónicas. La isorrítmia es el uso de patrones rítmicos idénticos que se usan en una melodía, muchas veces se ha considerado a Philippe de Vitry como el inventor de la isorritmia, pero es evidente que el uso de la isorritmia no es nueva en si misma si no que ya venía desarrollándose desde tiempo atrás.

Después del Roman de Fauvel la siguiente fuente importante de la polifonía del siglo XIV fue el Codex Ivrea que contiene 80 motetes dobles y la mayoría de ellos son isorritmicos. También la chace que se refiere a la persecución que se hace entre una voz y otra en un canon musical, y se usa sobre todo para describir escenas cinegéticas.

La Polifonía Litúrgica en el Siglo XIV

En este siglo comienzan a aparecer movimientos polifónicos dentro de las misas que nos obliga a considerar el estudio de las misas litúrgicas a fondo. Cuando los compositores volvieron a poner música a los textos litúrgicos tras un lapso de 100 años, su música difería mucho en las formas y los estilos de la polifonía litúrgica. En el uso litúrgico, la misa comprende todo lo que se habla o se canta del propio como del ordinario, sin embargo, como composición musical la misa suele contar de cinco elementos cantados en el ordinario: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei.

Posteriormente el capitulo habla acerca de los tres estilos de movimientos polifónicos en las misas: estilo motete, estilo canción y el estilo simultaneo.

El estilo motete es el único estilo que surge a principios del siglo XIV y ejerció una importante influencia en la composición de movimientos de misas. El estilo canción consiste en un canto a solo por encima de una parte de tenor sustentante sin palabras. Lo importante a remarcar de este estilo es que solo aparece en seis de los movimientos de misa de ivrea y reemplaza al estilo motete como tipo favorito de la polifonía litúrgica. El estilo simultáneo se refiere a que todas las voces se van moviendo juntas, además de que todas las partes son vocales y su estructura es muy parecida, lo que si podemos decir que es muy diferente es la estructura rítmica en las voces inferiores y superiores y ésta es una de las principales características que diferencia al estilo simultáneo de los estilos motete y canción.

La misa de Tournai es la más antigua de las misas polifónicas y consta de cinco movimientos del ordinario seguidos de un motete sobre ite, missa est, por la naturaleza de este tipo de composiciones se deja claro que la misa de Tournai se copió como una unidad para suministrar una interpretación completamente polifónica del ordinario.

La misa Tolouse que data de la primera mitad del siglo XIV, data de movimientos polifónicos que se copiaron siempre en espacios vacios y solo el Sanctus y el Agnus Dei aparecen juntos. A pesar de las diferencias, las misas de Tornai y las de Toulouse son recopilaciones de movimientos musicales totalmente independientes y eso es una característica que las hace tener una relación entre las dos.

La misa de Barcelona se diferencia de las misas de Tolouse y Tournai en varios aspectos importantes; la calidad de la letra y la decoración que contienen estas piezas hace probable que el manuscrito sea sólo la primera parte de lo que debe haber sido una gran e importante colección de polifonía de finales del siglo XIV. La estructura musical de ésta misa se parece a un motete a tres voces.

Gullaume de Machaut

Al igual que Philippe de Vitry, Guillaume de Machaut fue importante por el uso de la isorritmia en sus motetes. Machaut también se caracterizó por escribir poesía, su poesía se caracterizaba por tocar detalles acerca de su vida y de cosas que vivió durante su estancia en algunos lugares de Francia.

Otra de las composiciones importantes de Machaut es el Remede, que se caracteriza por relatar a detalle un día de placer en la vida de Machaut e incluía cantos y danzas.

Los lais se dice que son las composiciones de Machaut que miran más al pasado, su característica principal es la evolución musical y poética que hizo a los laids representativos en esta época. La estructura poética del lai debe determinar los aspectos de su forma musical, así mismo, la estructura melódica de cada estrofa refleja la división del texto en mitades o en más partes. De todos los lais de Machaut cuatro son polifónicos y se caracterizan por tener estrofas con apariciones de chase. Los cuatro lais polifónicos plantean problemas adicionales en cuanto a la manera de interpretarlos ya que no se puede afirmar que tipo de instrumentistas tocan la polifonía principal.

Los motetes representan los aspectos más conservadores de su producción musical, al escribir motetes Machaut demostraba una evolución e innovación musical aunque en el único aspecto que machaut si parecía retroceder es en el uso del francés para los textos profanos.

Una de las obras más importantes y representativas de Machaut es la misa de notre dame además de ser la única que tiene una función estrictamente litúrgica, proporciona música polifónica a todos los cantos del ordinario incluyendo el ite missa est, que casi nunca forma parte de las misas polifónicas posteriores.

Redactado por: Marco Figueroa

Nacimiento de la Polifonía

Otro embellecimiento musical de la liturgia es la polifonía, el sonido simultáneo de más de una melodía. Iniciada como una elaboración del canto llano, la polifonía sirvió como un medio de aumentar el esplendor y la solemnidad de los cultos eclesiásticos desde el siglo IX hasta el siglo XIII. Se puede considerar como un tipo de tropo en el que la nueva música aparece a la misma vez que el canto en lugar de ser añadida por medio de prolongaciones monofónicas. La polifonía se originó en la misma época y en algunos de los lugares donde se produjeron los grandes repertorios de tropos y secuencias.


Sin duda alguna el nacimiento de la polifonía fue el acontecimiento más significativo de la historia de la historia de la música occidental ya que desde entonces los compositores y teóricos se han preocupado por la organización sistemática de los sonidos verticales ya que también se sabe que es esto precisamente lo que distingue a la música occidental de las demás. La distancia entre una obra de finales del siglo XII y una del siglo XX puede parecer inmensa, pero esta última no podría haberse escrito si el desarrollo de la primera no hubiera tenido lugar. Y ambas se oponen al canto llano por su interés en la combinación de sonidos musicales simultáneos. La polifonía medieval se revela como una digna contrapartida de las grandes iglesias y catedrales en las que se interpretó.



DESCRIPCIONES TEORICAS Y EJEMPLOS DE LA POLIFONIA PRIMITIVA

Los ejemplos de teoría primitiva son ambiguos y breves y esta situación plantea varias dificultades ya que es difícil la reconstrucción de estas prácticas contemporáneas después de un lapso de varios siglos, son generalmente cortos y están basados en un número limitado de cantos, a menudo fragmentarios, no podemos saber con cuanta precisión los ejemplos teóricos reflejan las verdaderas practicas de interpretación de la época sin embargo las descripciones teóricas de la polifonía primitiva son todo lo que siempre vamos a tener, y debemos aprender de ellas lo que podemos.

El concepto constancia armónica era conocido, al parecer, S. Agustín y Boecio, escritores de la Alta Edad Media hacen afirmaciones donde pueden referirse a algo más que un simple canto monofónico. Sin embargo, hasta finales del IX no encontramos descripción del canto a voces que establezcan un nombre distintivo, organum, y ofrezcan ejemplos musicales descifrables. El mayor valor de los escritos es su confirmación de la probabilidad de que el organum descrito en los documentos del siglo IX no fuera una innovación ni súbita ni reciente. Estos tratados tardíos intentan, describir y sistematizar practicas que pueden haber existido desde hacía mucho tiempo

Regino de PrÜm (muerto en 915) Hucbaldo (ca. 840-930) escribieron tratados con el título de barmonica institutione (sobre la instrucción armónica) ambos introducen el término organum y ambos intentan definir consonancia y disonancia. Hucbaldo deja claro que el organum implica notas diferentes que suena simultáneamente.

En dos de los más importantes tratados del periodo se dan descripciones con ejemplos musicales, el música enchiriadis (manual de música) y el Scholia enchiriadis (comentario sobre el manual). Su autoría se discute en la actualidad.

EL ORGANUM PARALELO

Según los tratados de Enchiriadis, los diferentes tipos de organum derivan todos de la aplicación de un principio básico: la duplicación de un canto llano preexiste en movimiento paralelo o un intervalo de octava, quinta o cuarta. El canto llano es llamado vox principalis o voz principal. Cuando esta doblado por otra voz la vox organalis, el resultado es un organum simple. Una o dos voces nuevas que doblan a la octava producen organum compuesto. Cuando el movimiento paralelo se mantiene rígidamente, es cuando generalmente los escritores modernos le llaman organum paralelo.

El ORGANUM LIBRE

Cuando se decido apartarse de las restricciones del movimiento paralelo se obtuvo como resultado un nuevo tipo de polifonía que se llamo organum libre. Aun que el organum se practica de varias formas se puede decir que la forma más comprensible de este es el movimiento contrario entre dos voces. Dependiendo del ámbito del canto, además, la voz organal puede terminar sus frases en la octava superior inferior, al igual que al unísono. Las descripciones posteriores del organum tienden a ignorar los cambios radicales de estilo que aparecen en las colecciones escritas durante el siglo XII. En cambio los tratados parecen como manuales pensados para principiantes en la improvisación. En la edad media la improvisación parece que permaneció en gran parte como objeto de la polifonía de nota contra nota con una gran cantidad de movimiento paralelo, pero no se sabe hasta que punto los intérpretes podían embellecer esta simple estructura.







El ESTILO DE DICANTO DESARROLLADO

El término discantus se usaba para distinguir los tratamientos silábicos de texto en polifonía de nota contra nota del estilo del organum melismático, todo este desarrollo se llevo acabó antes del siglo XII, Se le ha llamado escritura de neuma contra neuma. Las dos voces tienen normalmente una sola nota o un neuma de algunas notas para cada sílaba de el texto, solo que una voz no coloca necesariamente el mismo número de notas que la otra. Los pasajes se diferencian de los melismas de estilo de nota tenida en la que ambas voces siguen en polifonía, la solución más lógica a los problemas rítmicos que se encuentran en el discanto es de nuevo sin respuesta debido a la original, seria que tuvieran el mismo valor cada silaba del texto y cada neuma en los pasajes melismáticos , la misma solución ha sido aplicada al tropo de Banedicamus, Ominis, Curet Bomo, la versión polifónica aparece en la misma forma en los dos manuscritos de S. Marcial, seguimos sin saber cómo se interpretaba el resto de la secuencia o incluso si se interpretaba, la verificación polifónica estaba pensada para ser una oieza completa e independiente.

EL INTERCAMBIO DE VOCES

Un procedimiento raro en el repertorio de S. Marcial, se hizo pronto tan característico de la polifonía medieval, la traducción intercambio de voces apropiada para las explicaciones en el canto. El intercambio de voces se da también a más pequeña escala en el melisma cadencial donde células de dos notas están intercambiadas revelando la estrecha relación entre intercambio de voces e imitación. El intercambio de voces es claramente un proceso bastante simple de repetición, la escritura melódica y la armónica permanecen invariables, dio a los compositores un medio de controlar la simétrica y el plan de su polifonía, les ofreció también un punto de partida para el desarrollo de otros procedimientos contrapuntísticos.

LA POLIFONIA EN SANTIAGO DE COMPOSTELA

Antes de que consideremos las contribuciones de la escuela de Notre dame debemos ver la colección de la polifonía de Santiago de Compostela de la región de Galicia en el norte de España. La biblioteca de la catedral conserva aun liber Sancti jacobi que ha sido descrito como propaganda para promocionar la peregrinación, partes más interesantes del manuscrito es una guía para turistas del siglo XII donde encontramos descripciones de los principales caminos a Compostela. Quizás la atribución no es más que un elegante cumplido al papa que reconoció la importancia de Compostela al elevarla al rango de sede arzobispal, por desgracia los especialistas creen que las atribuciones son falsas. Puede ser significativo sin embargo que los hombres cuyos nombres están relacionados con las piezas polifónicas procedan casi sin excepción de las ciudades del centro y norte de francia.

Redactado por: Leonardo Sierra

El ars nova italiano

Aqui esta otro aporte màs, este sobre el ars nova italiano

http://elarsnovaitaliano.blogspot.com/

visitalo!

Historia de la notación musical

Antes del S. VIII no había un sistema de notación, por lo que los cantantes tenían que memorizar las melodías. Los manuscritos que se usaban sólo contenían el texto, y se empezaron a introducir ciertos símbolos encima del texto llamados neumas. Estos neumas servían para recordar la melodía por lo que solo eran útiles a quien la conocía previamente. Los signos eran muy sencillos: la virga “/”, y el punctum “\”. El punctum se simplificó hasta convertirse en un punto “.”, de ahí su nombre. Después los dos se desarrollaron hasta tomar una forma más redondeada. A este tipo de notación se le conoce como: neumática, adiastemática, sin pautas, in campo aperto y quironómica.

Cuando se escribían los neumas sobre una sílaba se podían agrupar hasta tres, si se necesitaban más se dividían en pares o quedaban algunos sueltos. Los neumas aparecían siempre a la misma altura, por lo que no indicaban el intervalo, o las notas; sólo indicaban el número de las notas y su dirección.

En diferentes partes de Europa se desarrollaron variaciones de esta escritura, conservando obviamente la “base”, sin embargo hay ciertas características que denotan el lugar de origen de algún manuscrito.

La primera mejora en la notación fue el uso de neumas a diferente altura, indicando los intervalos. Esto quiere decir que los neumas que aparecen siempre a la misma altura son la misma nota. Después se añadió una línea para las notas fijas. Sin embargo estas notas eran las mismas en el contexto en el que estaban escritas, pero en diferentes composiciones podrían ser otras; debido a esto se anteponía una letra a la línea indicando la nota. Las que se usaron con más frecuencia fueron la C (do 5) y la F (fa 4). Las líneas se podían marcar en el papel o bien pintarse, casi siempre rojo para el Fa y verde o amarillo para el Do.

Guido D´arezzo fue uno de los teóricos musicales más importantes de la edad media. Creó el sistema de solmización, definió el campo sonoro del canto gregoriano y creó el tetragrama, todavía en uso. El sistema de solmización está formado por un hexacordo, una serie escalonada de seis notas (ut,re,mi,fa,sol,la), que asoció con las silabas de inicio de las frases del Himno a san Juan Bautista. Cada frase inicia un tono arriba que la anterior, excepto en mi y fa (semitono). Las ventajas de este sistema son: la lectura de nuevas melodías, la asociación de silabas con notas fijas y la fácil enseñanza.

Redactado por: Daniel Chagoya y Auryn Villegas

Era Modal Siglos XI, XII y XIII.

Complementando....

http://eramodal-mahaos.blogspot.com/

¡Visítanos!

Ahora trataremos de dar un contexto histórico para poder relacionar la información musical que escriban nuestros compañeros con ciertos acontecimientos importantes al rededor, dentro o al margen de los sucesos imortantes que no tengan que ver con la múscia.

Se verá marcado un poco la evolución de la religión cristiana porque en las abadías, monasterios y otras cosas relacionadas con el cristianismo es en donde se encuentran vestigios de música y se dan las prubas de la evolución de la misma.

También cabe señalar que la mayoría de la música hasta alrededor del año 1000 d.c. está relacionada con los oficios y la liturgia, sobre todo de la iglesia cristiana, pues no se ha conservado nada de la música de carater profano, pero no significa que no haya habido música popular durante todo ese tiempo.

Al final del siglo II d.c comienza la decadencia del Imperio Romano de a causa de que los bárbaros ejercieron una presión creciente en las fronteras del norte, algunas ciudades tenían dificultades financieras y sobre todo el problema no resuelto de la sucesión imperial comienza a producir violentas guerras civles.

A principios del siglo III empieza el restablecimiento del imperio a manos del emperador Aurelio y luego, Diocleciano, termina con este trabajo de restauración.

Siglo IV. El cristianismo paso de las persecuciones con Diocleciano a la tolerancia con Constantino (315-337) y se convirtió en la religión impuesta, salvo a los judíos, con Teodocio (379-395). Así la iglesia adquiere influencia y poder por todo el imperio, miembros de importancia social y política se unen al clero y se establece un gobierno eclesiástico.

Hubieron 2 progresos. El primero es que hubo un gran cambio de la ofrtuna del cristianismo dentro del imperio. El segundo progreso fue la fundación de Constantinopla y la consecuente división del Imperio en el Occidente latino y el Oriente griego en el 395 d.c.

Siglo V. Saqueo de Roma en 410 y el 2do saqueo en el 455. Ya en el 476 cae el Imperio Romano de Occidente.

Uno de los aspectos más importantes es la mezcla de elementos gemánicos con romanos.

Zenon fue el responsable de que se establecieran los ostrogodos en Italia y con Teodorico consiguen adoptar más la vida y cultura imperiales; para él trabajaban Boecio y Casiodoro quienes hicieron tratados musicales basados en fuentes griegas. La obra de Boecio se mantuvo como fundamento de los estudios musicales a lo largo de la Edad Media.

Siglo VI. El papado era la autoridad administrativa, los papas se convirtieron en gobernantes políticos como religiosos y tenían poco interés por la restauración del poder imperial. La iglesia se convirtió en el único elemento estable y unificador en una europa confusa.

Justiniano es el último emperador bizantino y promulga el Corpus Juris Civilis que es el código de los derechos civiles que rige hasta hoy.

Siglo VII. Los árabes crearon una de las grandes civilizaciones y establecieron para siempre el islamismo como una de las principales religiones de la tierra.

Está muy claro que la sabiduría árabe contribuyo profundamente la evolución intelectual y cultural de la Europa Occidental.

Los partidiarios árabes les atribuyen la creación de los valores medidos de las notas musciales y la polifonía en vez de a los europeos, pero no ha sido comprobado y todavía se debate a quienes atribuir estas grandísimas contribuciones en las hirotia de la música.

El cristianismo y el judaísmo se desarrollaron junto con el Islam porque dentro del islam, Mahoma dijo que Alá era el único dios y el mismo que el cristiano y judío y que Mahoma sólo era un profeta de una larga lista de profetas del mismo dios; ésto permitió que se pudieran desarrollar las tres religiones a la par, sobre todo en la Península Ibérica.

Restablecimiento del reino franco. Los Carolingios y el papado se hacen fuertes aliados. Mientras que el Islam se fortalecía e iba hacia sus mayores conquistas, el mundo latino tocaba fondo en su caída al barbarismo. El saber clásico estaba casi olvidado, el pensamiento racional era casi inexistente y por lo mismo en el siglo VII y VIII se produjeron muy pocos autores notables.


Cuadro de la Dinastía Carolingia.

Siglo VIII. Carlomagno comienza sus conquistas. Establece la costumbre de recibir la corona por parte del papa. También mucho desu tienpo a la educación, funda una famosa escuela palatina en Air-la-Chapelle, escoge como director de la escuela catedralicia a Alcuino (inglés) y atrajo rapidamente a profesores y estudiantes de todas partes del reino.. La enseñanza de las escuelas carolingias enseñaban el trivium humanístico, que constaba de geometría, retórica y lógica y el quadrivium científico que constaba de aritmética, geometría, astronomía y música.

La música por su relación matemática decido a los intervalos y demás, se colocó en el quadrivium y se estudiaba la natiraleza de la música, sus efectos y su relación con el hombre y el mundo en el que vive.

Así que el renacimiento carolingio se puede decir que fue una renovación de la educación latina.

Siglo IX. La desintegración del imperio carolingio vino a mano de Ludovico hijo de Carlomagno. por la división del imperio entre sus tres hijos Lotario (Italia), Luis el Germánico (Alemania) y Carlos el Calvo (Francia) se desintegra por dentro, y por fuera, por las expediciones musulmanas, las incursiones vikingas, invaciones de los magiares(Hungaros) de los Suecos y Rusos.

Redactado por: Daniel Chagoya, Silvia Álvarez y Héctor Cruz

La adoración del perro Guinefort

Hay que hablar en sexto lugar de las supersticiones ultrajantes, algunas de las cuales por ultrajantes para Dios y otras para el prójimo. Son ultrajantes para Dios las supersticiones quer conceden honores divinos a los demonios o a alguna otra criatura: es lo que hace la idolatría y lo que hacen las miserables mujeres echadoras de suerte, que piden la salvación adorando saúcos o haciéndolos ofrendas: despreciando las iglesias o las reliquias de los santos, llevan a sus hijos a estos saúcos o a hormigueros o a otros objetos a fin de que venga la curación.

Es lo que pasaba recientemente en la diócesis de Lyon donde, cuando yo predicaba contra los sortilegios y oía confesiones, muchas mujeres confesaron que habían llevado a sus hijos a san Guinefort. Y como yo creía que era algún santo, hice mi investigación y supe por fin que se trataba de un perro lebrel que había sido muerto de la siguiente manera.

En la diócesis de Lyon, cerca del pueblo de las monjas llamado Neuville, en la tierra del señor de Villars, ha existido un castillo cuyo señor tenía un hijo de su esposa. Un día, cuando el señor y la dama habían salido de su casa y la nodriza había hecho lo mismo, dejando solo al niño en la cuna, entró una serpiente muy grande en la casa y se dirigió hacia la cuna del niño. Al verlo, el lebrel que había quedado allí, persiguiendo a la serpiente y atacándola bajo la cuna, volcó la cuna y daba mordiscos a la serpiente, que se defendía y mordía a su vez al perro. El perro acabó por matarla y la arrojó lejos de la cuna. Dejó la cuna y también el suelo, su propia garganta y su cabeza inundados de sangre de la serpiente. Maltrecho por la serpiente, se mantenía en pie cerca de la cuna. Cuando entró la nodriza, creyó al verlo que el niño había sido devorado por el perro y lanzó un grito muy fuerte de dolor. Al oírlo la madre del niño acudió a su vez, vio y creyó las mismas cosas y lanzó un grito semejante. Del mismo modo, el caballero, llegando allí a su vez creyó la misma cosa y sacando a su esposa mató al perro. Entonces, al acercarse al niño, lo encontraron sano y salvo durmiendo dulcemente. Intentad comprender, descubrieron la serpiente desgarrada y muerta por los mordiscos del perro. Reconociendo entonces la verdad del hecho y deplorando haber matado tan injustamente a un perro tan útil, lo arrojaron a un pozo situado ante la puerta del castillo, lanzaron sobre él una gran masa de piedras y plantaron al lado árboles en memoria del hecho. Pero el castillo fue destruido por la voluntad divina y la tierra reducida al estado de desierto, abandonada por sus habitantes. Pero los campesinos, al oír hablar de la noble conducta del perro y decir cómo había sido muerto, aunque inocente y por una cosa de la que debió esperar el bien, visitaron el lugar, honraron al perro como a un mártir, le rezaron por sus enfermedades y sus necesidades y algunos fueron víctimas de las seducciones y de las ilusiones del diablo que por este medio empujaba a los hombres al error. Pero sobretodo las mujeres que tenía niños débiles y enfermos los llevaban a este lugar. En un burgo fortificado que distaba una legua de este lugar, iban a buscar a una vieja que les enseñaba la manera ritual de actuar, de hacer ofrendas a los demonios, de invocarlos, y que las conducía a este lugar. Cuando llegaban, ofrecían sal y otras cosas; colgaban en las zarzas de alrededor los pañales del niño; clavaban a un clavo entre los árboles que habían puesto allí; pasaban al niño desnudo entre los troncos de dos árboles: la madre, que estaba a un lado, tenía al niño y lo arrojaba nueves veces a la vieja que estaba del otro lado. Invocando a los demonios, conjuraban a los faunos que estaban en el bosque de Rimite para que tomaran a este niño enfermo y debilitado que era para ellos, según decían; y a su hijo, que habían llevado consigo se lo devolvieran gordo y robusto, sano y salvo. Hecho esto, estas madre infanticidas volvían a tomar a su hijo y lo ponían desnudo al pie del árbol sobre la paja de una cuna y con el fuego que traían consigo encendían a un lado y otro los cabos de dos candelas que medían una pulgada y las fijaban en el tronco por encima. Luego se retiraban hasta que se consumieran las velas, a fin de no oír los vagidos del niño y no verlo. Al consumirse así las candelas quemaron por entero y mataron a varios niños, como lo hemos sabido por muchas personas. Una mujer me contó también que acababa de invocar a los faunos y se retiraba cuando vio a un lobo salir del bosque y acercarse al niño. Si el amor maternal no hubiera forzado su piedad y no hubiera vuelto hacia él el lobo o el diablo bajo su forma,como ella decía, hubiera devorado al niño.

Cuando las madres volvían a su hijo y lo hallaban vivo, lo llevaban a las aguas rápidas de un río próximo llamado Chalaronne, donde lo sumergían nueve veces; si salía de ello y no moría en el momento o poco después, era que tenía vísceras resistentes.

Nos hemos trasladado a aquel lugar, hemos convocado al pueblo de esta tierra y hemos predicado contra todo lo que se ha dicho. Hemos hecho exhumar al perro muerto y cortar el bosque sagrado y lo hemos hecho quemar con los huesos de perro. Y de hecho dar por los señores de la tierra un edicto previniendo la incautación y reventa de los bienes de aquellos que en lo sucesivo afluyan a aquel lugar por tal razón.

Esteban de Borbón (hacia 1180-1261)

Redactado por: Margarita Ramírez